Новости импрессионизма : музеи : архив

Эта картина была написана в Арле, где Поль Гоген и Винсент Ван Гог жили и работали вместе в течении двух месяцев. Из окна их желтого дома открывался вид на общественный парк, изображенный на картине. Фонтан, скамейка и конические кустарники, съежившиеся от холода, сгруппированы в правой части композиции. Гоген сознательно упростил многие элементы сцены, игнорируя реализм и перспективу. Одна из женщин слева напоминает мадам Жину, хозяйку местного кафе. Она прижимает рукой платок ко рту, защищаясь им от холодного северного ветра, известного в регионе как "мистраль". Опущенные пустые глаза женщин-арлезианок, их темная одежда предполагают, что они участвуют в траурной церемонии. Вид на происходящее от третьего лица усиливает таинственность и энергетику картины.

В своем творчестве Дега часто обращался к теме скачек, черпая вдохновение из образа жизни своих современников. Во второй половине XIX века ипподромы стали необычайно популярны среди парижской буржуазии, к которой безусловно относился и Дега. Также на его увлечение лошадьми повлияли такие известные художники, как Уччелло, Гоццоли и Ван Дейк. Картина "Парад" или "Скачки перед трибунами", написанная между 1866-1868 годами, стала одним из первых творений Дега на эту тему. Автор передает атмосферу ипподрома, где лишь нервные движения последней лошади указывают на неизбежность начала скачек. Он сознательно игнорирует элементы, определяющие место проведения скачек и владельцев лошадей, сосредоточившись на силуэтах жокеев и их расположении перед стартом. Контрастный свет полуденного солнца и длинные тени от лошадей переводят внимание зрителя к центру картины, где галопирует один из жокеев. Остальные всадники замерли, также как и толпа зрителей на трибунах, в ожидании предстоящего представления.

В октябре 1888 года Гоген по приглашению своего друга Винсента Ван Гога прибыл в Арль, городок на юго-востоке Франции. В течение нескольких месяцев художники рисовали окружающие место пейзажи. Картина "Алискамп" с пылающими осенними красками, вероятно, является одним из первых полотен Гогена, написанных в Арле. На картине изображен римский некрополь Алискамп, освященный в III веке Святым Трофимом, первым епископом Арля. К XIX веку от древнего некрополя осталась только кипарисовая аллея и несколько пустых саркофагов. Гоген полностью исключил все исторические связи, оставив лишь башню с куполом и часть романской церкви Сент-Оноре, построенной на месте древнего захоронения. Никаких саркофагов не видно, только поле, лес и канал, вдоль которого идут две женщины и мужчина. Гоген, не считавший арлезианок особо привлекательными, иронически окрестил картину "Пейзаж или Три грации у храма Венеры", отсылая ее Тео Ван Гогу, своему арт-дилеру и брату Винсента. Сопоставление мазков и штрихов на холсте характерно для синтетизма Поля Гогена, художественного течения внутри постимпрессионизма. Мазки кисти, скопированные у Сезанна, позволили показать иллюзорный мотив картины без реалий окружающего мира. Насыщенные оттенки краски также являются субъективной и художественной интерпретацией пейзажа художником. Этот безмятежный вид на Алискамп резко контрастирует с мрачными картинами Ван Гога, обращенными к этому месту.

Светлые, чистые тона и свободные мазки на этой картине берега Сены характеризуют творчество Винсента Ван Гога после переезда из Голландии в Париж. В этот период жизни его увлекают художественные приемы импрессионистов и неоимпрессионистов, в частности, пуантилизм. С началом весны 1887 года Ван Гог предпочитает выбираться за пределы городского центра, сменив Рю Лепик и Монмартр на бульвар Клиши, расположенный на южном берегу Сены. Картина "Берег реки весной", также известная как "Сена у моста Клиши весной", стала одной из серии работ, объединенных "речной" темой. Мост Клиши, построенный в 1874 году, становится важной частью полотен живописца. Следы красной краски, заметные по краям холста, являются остатками от яркой красной рамки. Такую же рамку можно встретить на двух других пейзажах схожего размера, вместе являющихся своеобразным триптихом художника.

Кайботт, выступая как передовой художник, на портретах изображал не известных мужчин и прекрасных женщин, как было принято ранее, а стремился показывать обычных людей в социальных ситуациях на улицах или домах. На данной картине автор запечатлел свою спутницу Шарлотту Хаген у себя дома в квартире на улице Миромениль, служащей сценой для многих его известных работ, среди которых есть "Паркетчики". Сидящая в буржуазном интерьере с позолоченной отделкой, дама естественна и расслабленна, взгляд ее отстранен, как будто она слушает разговор хорошо известных ей друзей. Одета женщина в простое, но модное пальто. Сидящая расслабленно женщина на мягких диванах или креслах была излюбленной темой художников-импрессионистов в 1870-х годах. Кайботт неоднократно рисовал женские портреты в домашних внутренних пространствах, вероятно, намекая на то, что женщинам в буржуазном обществе приходилось терпеть угнетение замкнутой семейной жизни. Во взгляде модели, в жесте ее руки, одновременно и открытой, и скрытой можно предположить личностные отношения к художнику. Шарлотта Хаген была секретом Кайботта, они стали вместе жить только после смерти родителей, так как это было социально неприемлемое сожительство в буржуазной среде того времени. Кайботт рисовал свою подругу несколько раз, в том числе дерзкое, почти в натуральную величину изображение обнаженной на диване, где женщина прячется за свою руку в попытке не быть узнанной. Также молодую женщину можно видеть на картине "Мост Европы", где она направляется в сторону зрителя в тени сопровождающего ее денди. Данная картина была одной из восьми отобранных работ художника для четвертой выставки импрессионистов в 1879 году и была представлена под названием "Портрет мадам Х".

С 1872 до начала 1875 годов Сислей с семьей жил в деревне Вуазен-Лувесьенн, где он снимал двухэтажный дом по адресу Рю де ля Принцесса, 2. Городок Лувесьен расположен около тридцати километров к западу от столицы и примерно в десяти километрах к северу от Версаля. Деревушка Вуазен отличается извилистыми дорогами, которые ведут вниз к берегу Сены. Сислей жил рядом с домом, занимаемым Ренуаром, одним из его ближайших друзей, и два мужчины часто рисовали вместе окрестные красоты. Писсаро также жил поблизости с 1869 года. Во время своего пребывания в Лувесьенне Сислей изобразил ряд деревенских сцен, его извилистые улочки и тенистые дороги, часто оправлялся гулять в соседние Вильнев-ла-Гаренн, Аржантей и Иль-де-ла-Гранд-Жатт в поисках новых сюжетов. Художник пытался захватить влияние сезона, погоды и времени суток на местность и экспериментировать с эффектом света и цвета. В то время, как другие художники, такие как Моне и Ренуар, предпочитали изображать летние и солнечные сцены, Сислей открыл зимние и снежные пейзажи. На данной картине представлен городок в морозный солнечный день. Земля покрыта тонким слоем инея, свежий воздух хрустит от легкого ветра, два человека беседуют о житейских проблемах. Серое небо контрастирует с оранжевым солнцем, освещающим деревья и дома. Изображение мороза стало трудной задачей для художника, которая требовала высокой степени наблюдения и редкой способности рисовать атмосферу.

Моризо изобразила женскую фигуру в столовой в центре картины. В работе использованы спокойные синие, розовые, коричневые, фиолетовые и серые мазки. Девушка одета в до щиколоток черное платье с серыми рукавами, воротник застегнут на пуговицы до подбородка, волосы собраны в высокий пучок. Белый фартук обхватывает ее талию, показывая на ее роль прислуги в домашней сфере. Окно справа от женщины изображено белыми, желтыми, зелеными и серыми штрихами, через стекло проглядывает красный дом вдали. Руки героини чем-то заняты, вероятно, она выполняет работу на кухне и держит миску, о чем свидетельствует и открытая дверца шкафа. Справа на столе стоит ваза с фруктами, у ног женщины сидит маленькая белая собачка, которая подчеркивает семейственность внутреннего пространства. Пол покрашен мазками коричневого и синего цветов и кажется светоотражающим с яркими белыми и желтыми штрихами. Пространство слева от фигуры более сумбурное из-за разбросанных кистью мазков. Тем не менее понятно, что в левой части стоит шкаф с посудой и стеклянной дверью. Женщина показана в привычной, комфортной для нее обстановке, столовая кажется теплой и обжитой. Эта картина приглашает зрителя заглянуть в интерьер XIX века и увидеть спокойную семейную жизнь с ее эмоциями и секретами.

Полотно "Парижская улица в дождливую погоду", пожалуй, одна из самых узнаваемых картин XIX века, на которой изображен интригующий вид менее оптимистичной стороны Парижа. По этой работе понятно, что стиль Кайботта не характерен для импрессионизма. Упор на скорость и энергию города здесь заменены на тревожное спокойствие. Художник выражает увеличение социальной напряженности, вызванное быстрой "Османизацией" Парижа, которая проходила в течение его жизни в результате социальных и классовых различий. Хоть стиль Кайботта отличается от работ художников-импрессионистов, но Гюстав следует многим правилам и характеристикам этого направления. Его интерес в представлении света наиболее виден в тенях, в камне мостовой. Камни состоят из нескольких различных цветов, которые, объединяясь, создают серый оттенок. Реконструкция Парижа была направлена на расширение улиц, что позволило бы капитализму лучше развиваться. Город был большой, но люди эмоционально отдалялись друг от друга, появилось понятие "одиночество в толпе". На картине художник так расположил фигуры, чтобы подчеркнуть социальную напряженность. Изображенная площадь - это перекресток возле вокзала Сен-Лазар в богатом районе около собственного дома Кайботта. Вопреки изображению, это не особо большое пространство, художник увеличил размеры площади как метафору возрастающей эмоциональной и социальной дистанции между людьми. Строительные леса в отдалении улицы говорят, что город еще продолжает меняться. Фонарный столб в центре разделяет картину на две части. Каждая из фигур кажется потерянной или находящейся в ловушке своего собственного мира. Даже мужчина и женщина, идущие под руку на переднем плане, не смотрят друг на друга, между ними не чувствуется связи. Люди, идущие по тротуару, не проявляют интереса к окружающим, зонтики еще более подчеркивают отгороженность и замкнутость фигур. Картина в целом проникнута чувством неловкости. Кайботт использовал всю свою деликатность и мастерство, чтобы создать потрясающее изображение человека без взаимоотношений, которое блестяще отражает настроение своего времени.

Наводнение, произошедшее ранней весной 1872 года, привело Сислея в Порт-Марли, небольшую деревню на берегу Сены близ Лувесьенна, родины художника. Вместо драматических и живописных сцен разыгравшейся стихии, внимание художника привлекло визуальное отображение дождя, туч и воды, залившей улицы. Композиция картины традиционна. Ресторан "Святой Николай" слева и вертикальный пилон справа задают границы центра картины с деревьями и холмами вдалеке. Вероятно, картина была нарисована за один сеанс. Сислей использует большой спектр приглушенных цветов и оттенков, кладя тонкие и гибкие мазки в соответствии с деталями ландшафта. Точная передача тональностей и анимированная поверхность картины стала отличительной особенностью лучших поздних работ художника. В 1876 году Сислей почти в точности повторил сцену наводнения в Порт-Марли в своей другой картине.

Синьяк первый раз побывал в Коллиуре, средиземноморском городе в восточных Пиренеях, в нескольких километрах от испанской границы. Этот маленький порт стал важным в истории искусства, когда Матиз и Дерен нарисовали там свои лучшие творения в 1905 году. В период с июля по октябрь 1887 года Синьяк нарисовал четыре картины в Коллиуре, которые были показаны в 1888 году в Брюсселе. Эти морские пейзажи были со светлыми тенями, выполнены в мягких тонах. В них нет выраженного голубого оттенка, что является гордостью художников Средиземноморья. Синьяк считал, что оранжевый тон - свет солнца, отраженный со всех сторон, обесцвечивает тени, ослабляет локальные цвета и смывает чистое небо. Все четыре картины автор пронумеровал и назвал опусами, как в музыке, но номера не отражают точного порядка, в котором работы были написаны. На картине представлен скалистый ландшафт, гладкая вода находится вне времени, дома, как цитадели, пляж - все имеет строго геометрические углы, отсутствует зелень. На первом плане расположен большой замок, построенный с XIII по XIV века, когда город входил в состав Арагона. Вдалеке художник изобразил два других памятника XVI века, Форт Сант-Элме на холме и внушительную церковь Доминиканского монастыря в центре композиции. Синьяк намеренно не нарисовал фигуры людей, что дает ощущение спокойствия и вечности.

Берта Моризо и ее муж Эжен Мане провели свой медовый месяц в городе Каус на севере английского острова Уайт летом 1875 года. В свое время это остров был излюбленным местом отдыха английского высшего общества. Супружеская чета посетила несколько раз город Рай перед тем, как переехать в Лондон. На острове Уайт Берта большую часть своего времени уделяла живописи. Часто она и Эжен покидали гостиницу, брали мольберт и краски и проводили день, любуясь и запечатлевая красоты острова. Иногда художница устанавливала мольберт в номере и рисовала то, что могла видеть из своего окна. Данная работа - это пример того, как Моризо удалось с трудом убедить Эжена позировать ей, глядя в окно. На картине предстает вид из окна на порт Каус, но эта работа - о муже Эжене Мане и маленьком садике перед домом. Автор интересно изобразила оконные стекла и марлевые занавески, чтобы передать их прозрачность. Цветы в саду и на подоконнике добавили яркие пятна, но в основном, Моризо использовала приглушенные серые, синие тона. Эжен сидит спиной, и есть ощущение, что зритель видит мир глазами мужчины. Мимо прогуливаются женщина с ребенком, край оконной рамы проходит через лицо дамы. Моризо сознательно закрыла лицо женщины, чтобы пол определялся по юбке, груди, модной шляпке, подтверждая, что женщина того времени - только пол, бесправное существо.

Картина "Ныряльщик", являющаяся первой в серии работ с пловцами, написана на берегу реки Йер. Пытливый ум и внимательный взгляд художника сумел поймать и запечатлеть бытовую сцену в необычной форме. Сюжет купания, изображенный на полотне, занимателен, происходит в естественной обстановке. По легкому туману можно понять, что действие происходит в начале дня, температура воздуха бодрящая, и требуется теплый халат после купания. Листва на деревьях пышная. Персонаж справа с мокрыми волосами завернулся в халат и отступил в сторону, уступив место для ныряния мужчине в полосатом костюме. Слева крона изогнутого ствола дерева уходит из зоны видимости для зрителя. Согнутая спина пловца параллельна противоположному берегу с густой растительностью. На картине отсутствует небо и линия горизонта, все происходящее заключено в ограниченное пространство. Эта картина является приглашением расслабиться и получить удовольствие от воды.

В течение трех лет, прожитых Ван Гогом в Париже вместе с братом Тео, художник создал двадцать два автопортрета. Вероятно, его больше других импрессионистов волновало человеческое лицо, через которое он познавал себя и других людей. В этом более позднем автопортрете можно заметить ухудшающееся здоровье художника. Глубокие тени и жесткий рот характеризуют человека, страдающего от физической и эмоциональной нагрузки. Затравленный и пристальный взгляд синего и зеленого глаз автора взывает о помощи и в то же время отталкивает зрителя. Ван Гог одет в желтую соломенную шляпу и синее крестьянское пальто, соответствующие образу художника. Контраст между ярко-желтой шляпой и бирюзово-зеленым фоном акцентирует внимание на характере художника.

Первоначально названная как "Деревня на берегу Сены", картина "Городок Вильнев-ла-Гаренн" изображает маленький провинциальный городок, часто встречающийся на холстах импрессионистов. Городок, бывший некогда рыбацким поселком, с постройкой железной дороги и мостов быстро разрастается и становится пригородом Парижа, привлекающим парижан для воскресных прогулок. Вид на деревню, запечатленный художником, был сделан с острова Сен-Дени, соединенного с городом мостом. Следуя академическим традициям, Сислей делит композицию на планы: передний, обрамленный деревьями и затененным основанием острова, и задний, создающий впечатление ярко освещенной картины в раме. Меж двух берегов протекает река с замершей посередине лодкой, создавая атмосферу гармонии и безмятежности. Солнечный свет столь мягок и естественен, насколько это возможно воспроизвести.

Из десяти картин, созданных Синьяком летом 1886 года в деревне Лез-Андели, четыре работы были показаны на выставке Салона Независимых 1887 года. В этой картине, как и в других выставочных работах, Синьяк воспроизводит так полюбившиеся ему мотивы Лез-Андели: сверкающая вода с отраженными в ней деревьями и пятнисто-облачное небо. Также можно заметить красные крыши домов, поросший зеленой травой берег реки и далекий замок Шато-Гайар, в котором когда-то жил Ричард Львиное Сердце. В центре картины Синьяк разместил миниатюрную фигуру человека, сидящего на небольшом причале, а на переднем плане - часть пришвартованной лодки. Покой и чувство вечности пронизывают это произведение.

"Сушка белья" - один из четырех пейзажей, написанных Моризо в Женвилье после бракосочетания с Эженом Мане. Художница приняла низкий угол обзора и разместила линию горизонта в верхней трети картины, тем самым увеличивая пространство луга. Эта картина отличается от других видов Женвилье своим светом, разнообразием палитры от белых, розовых до голубых тонов. Примененные в коротких мазках, эти цвета пробуждают висящее белье и платья прачек, само присутствие которых придает жизнь данной сцене. Белье служит для отражения проникающего яркого света. Позиционирование забора на переднем плане - великолепный живописный ход художника, который ограждает зрителя от пейзажа и свидетельствует о том, что и автор работает не на открытом воздухе, а из верхнего окна или балкона. Берта любила эту картину и представила ее на выставке 1876 года, где она была куплена коллекционеров Жоржем де Беллио. В 1892 году Моризо одолжила полотно, чтобы представить его на единственной персональной выставке, организованной при ее жизни.

Несмотря на то, что ближайшие друзья художника Ренуар и Моне выступали за свободную манеру письма и яркие цвета, Кайботт предпочитает городские виды со строгими линиями. В данной работе автор ограничился строго приглушенными визуальными средствами, используя монохромные тона, в основном голубые, вызывающие ледяной холод. В левой части картины стоят три мужчины спиной к зрителю. Два персонажа одеты в одинаковые одежды - пальто прямого покроя и цилиндры, что говорит о тенденции жителей городов сливаться друг с другом и терять свою уникальность. Будучи инженером, Кайботт детально изобразил сборные парапеты, балки, заклепки моста. Геометрическая структура моста делит изображение по вертикали на два арочных пролета. Человеческие фигуры расположены свободно, что позволяет избежать жесткой симметрии. Мост Европы расположен рядом с железнодорожным вокзалом Сен-Лазар, между балками виден дым паровозов. Эта работа является продолжением первой картины "Мост Европы" и представляет замечательный кинематографический кадр, фиксирующий данный эпизод через несколько секунд после первой сцены. Кайботт оставил свою подругу из первой картины и восхищается достижением инженерии и промышленности.

Летом и в начале осени 1886 года Поль Синьяк создал серию из десяти пейзажей деревни Лез-Андели в Верхней Нормандии. Тихое село, изображенное на картине, залито солнечным светом и расположено вдоль извилистого берега Сены, недалеко от Руана. Под влиянием картин Сера, Синьяк создает пространственные связи между элементами композиции: часть лодки в левом нижнем углу, ее якорь, уводящий взгляд зрителя к центру, и безлюдная, почти игрушечная, деревня вдалеке, с доминирующим шпилем церкви справа. Использование точечных и коротких мазков кисти, хорошо заметных на лоскутных полях за деревней, занимает большую часть холста. В то же время, небо нарисовано более широкими мазками, свойственными для импрессионизма.

Представленная на второй выставке импрессионистов в 1876 году, картина "На балу" отражает интерес художницы в этот период к отображению женских портретов, чаще всего в помещении. Молодая женщина, сидящая с веером, без сомнения, ждет приглашения на танец. Ее взгляд мечтателен и в то же время обольстителен. Возможно, она наблюдает за другими гостями или тайно ревнует своего кавалера, танцующего с девушкой. Веер в ее руке в любую секунду готов заслонить пристальный взгляд карих глаз героини. В этой работе, больше похожей на сюжетную сцену, а не на типичный портрет, уделено особое внимание костюму и аксессуарам модели, раскрываются эксперименты Моризо в выразительности цвета. Берта в силу своего пола пишет обнаженное женское плечо совершенно бесстрастно и очень тактично. Единственное, что ее здесь интересует - гладкость кожи и мраморные переливы светло-серого газового платья. Веер - самая "бальная" деталь всей картины. Дама держит его, как и положено, слегка небрежно, чуть отстранив мизинец. Повторение одного и того же мотива - букет цветов на заднем плане, цветки хризантемы в волосах и на корсаже платья - позволяют проследить цепь соответствий. Прозрачное платье и легкость веера противопоставлены непрозрачности перчаток. Небольшие штрихи серебристого цвета придают картине изысканность, утонченность и даже торжественность. В этой слегка асимметричной композиции формы растворяются, теряются в прозрачности, в то время как цветовые пятна подчеркивают бледность кожи девушки. Ничего, кроме платья и комнатных растений за спиной, не говорит нам о месте действия происходящего на картине. Смутно падающий свет не позволяет точно говорить о времени суток. Да и личность модели, будто случайно выхваченной из бессчетного "населения" танцевальных залов, все еще остается загадкой.

Ранние работы Сезанна, выполненные в темных тонах, были во многом вдохновлены полотнами старых мастеров и таких художников, как Делакруа, Домье и Курбе. В 1870 году Сезанн под влиянием скандально известной "Олимпии" Эдуарда Мане создал картину "Современная Олимпия". Через несколько лет художник вновь поднимает эту тему, делая вторую версию более светлой и яркой. В то же время, стиль Сезанна движется в сторону импрессионизма. Именно во время его пребывания в Овер-сюр-Уаз, в пылу дискуссии с доктором Гаше, Сезанн берет кисть и рисует эту гораздо более смелую трактовку произведения Мане. Контраст обнаженной женщины, ее чернокожего слуги и элегантного мужчины в черном костюме, в котором угадывается сам Сезанн, создает у зрителя эффект эротической и театральной сцены. Этот эффект усиливается наличием занавеси, висящей в левой части картины. Представленная на первой выставке импрессионистов в 1874 году, картина вызвала волну насмешек и даже презрения. Один из критиков писал: "как сладострастное виденье, этот искусственный райский уголок оставляет все самые смелые попытки дышать... а господин Сезанн создает впечатление безумца, находящегося в белой горячке".

На картине изображена родственница первой жены отца художника Марсиаля Кайботта. Он женился в 1828 году на Адель Буасьер, которая умерла в 1836 году. В центре картины пожилая мадемуазель Буасьер, согнувшись, сидит за столом с вязанием. Дама одета в черное, возможно, у нее траур. Комната имеет элегантную обстановку. Секретер за спиной женщины говорит о том, что это хорошо обеспеченная семья. Плоскость стола оранжево-коричневого оттенка занимает нижнюю треть картины, этот цвет дополняют сине-зеленые обои. На обоях изображены большие красные розы, цвет которых перекликается с цветом стола. На столе лежит желтая коробка с белыми клубками ниток, цвет которых совпадает с вязанием мадемуазель. Лицо женщины спокойно и безразлично, она работает стежок за стежком, и, кажется, в тишине комнаты можно слышать стук спиц. Мягкий свет касается морщинистого лба дамы, но она не проявляет интереса к окружающему миру, она погружена в работу и свои воспоминания о прошлой жизни.

После бракосочетания с Эженом Мане Берта Моризо провела весну 1875 года в Женвилье. Берта наслаждается красотами природы, когда все вокруг преображается при свете первых солнечных лучей. Воздух пронизан запахом весны. В этот период Моризо написала четыре картины: "Маленькая мельница в Женвилье", "Пейзаж в Женвилье", "Сушка белья" и "В пшеничных полях близ Женвилье". Эти работы имеют сходную структуру. На данном полотне художница располагает линию горизонта в верхней трети полотна, чтобы увеличить впечатление от обширных равнин. Композиция состоит из двух частей: в основной представлено желтое поле, в другой раскрывается облачное небо, типичное для Иль-де-Франс. Чтобы оживить однотонное поле, художница помещает на передний план фигуру усталого крестьянина в бедной одежде. Также есть мнение, что на данной картине изображено не пшеничное поле, а кукурузное.

Современники описывали Сезанна как страстного, беспокойного, но сдержанного человека. Однако этот автопортрет не создает впечатления сдержанной страсти. Напротив, художник наделяет себя подчеркнуто внушительным, властным и невозмутимым взглядом, который может быть приписан постоянным поискам стабильности и раннего осознания масштабов своего таланта. Борода явно прибавляет лет художнику, написавшему автопортрет в возрасте 33 лет. Как и в более ранних работах Сезанна, на холсте продолжают доминировать темные тона, хотя мазки становятся мягче и пластичнее, уходя от романтической экспрессивности в большую простоту и строгость интерпретации.

В возрасте 46 лет Руссо создал автопортрет, изобразив себя на фоне городского пейзажа и назвав его "портретом-пейзажем". Художник одет в элегантный черный костюм; берет, кисть и палитра указывают на его профессию. За спиной можно разглядеть парусник, украшенный сигнальными флагами, современный металлический мост и Эйфелеву башню, построенную в 1887 году. Справа от головы художника пролетает воздушный шар. Все это - символы эпохи, в которой жил автор картины. Его фигура непропорционально велика, указывая на амбиции Руссо стать известным академическим художником. Интересно, что со временем художник фиксировал изменения, произошедшие с ним, на портрете. К надписи Клеманс на палитре добавилась Жозефина, имена первой и второй жен Руссо. На левом лацкане пиджака появился значок, подаренный министерством культуры за преподавание в Филотехнической школе. Представленная в марте 1890 года на Салоне Независимых картина подвергалась насмешкам и издевательствам со стороны критиков, сумевших оценить замысел автора лишь много лет спустя.

Хотя Анри Руссо никогда не покидал Францию, тема леса, а позднее джунглей, стала основной в его творчестве. Лесные пейзажи, показанные в картинах "Карнавальный вечер", "Прогулка в лесу" и "Свидание в лесу", пронизаны мистической, почти загадочной атмосферой. И хотя на холсте присутствуют фигуры людей, лес доминирует над ними, занимаю большую часть пространства картины. Ветви деревьев выписаны столь филигранно, что почти воздушны. "Свидание в лесу" была написана через год после смерти жены художника Клеманс, умершей от туберкулеза. Изображенная на холсте пара - это сам Руссо и горячо любимая Клеманс, свидание с которой художник перенес в иллюзорный мир волшебного леса, где возможно все. Интимный поцелуй, будто случайно подсмотренный зрителем, говорит о любви между Руссо и Клеманс, оставшейся в прошлом.

Лесные пейзажи, в частности виды леса Фонтенбло, часто появлялись на холстах французских художников XIX века. Картина "Прогулка", вдохновленная стилем рококо, была написана под влиянием Клода Моне, с которым Ренуар близко общался летом 1869 года. На фоне зеленой листвы изображена молодая пара, преодолевающая какое-то препятствие. Судя по шляпе канотье, мужчина является лодочником, держащим за руку юную девушку на крутом склоне реки, возможно Сены. Принято считать, что женской моделью для картины выступила Лиза Трео, возлюбленная Ренуара. Первоначально предполагалось, что для летней сцены позировали художник Альфред Сислей и женщина под именем Рафа, подруга композитора и мецената Эдмонда Мэтра. Лучи солнца, проникающие сквозь листву деревьев, отражаются в ослепительно белом платье девушки, придавая глубину и рельеф в складках и фиолетовых пятнах света. Первоначальное название картины неизвестно. В 1898 году холст был выставлен на продажу, получив при этом свое текущее название от безымянного владельца.

Во второй половине XIX века Сена стала излюбленным местом отдыха парижской буржуазии. Со строительством новых железных дорог воскресный отдых на многочисленных островках и живописных бухтах стал еще доступнее. Особой популярностью у парижан пользовался "Лягушатник" - небольшое кафе на реке между Шату и Буживалем, соединенное с берегом перекидным мостиком. Свое название заведение получило благодаря девушкам легкого поведения, прозванным "лягушками", которые собирались здесь в поисках клиентов. Летом 1869 года Ренуар и Моне, жившие неподалеку, выбрали "Лягушатник" темой для своих новых работ. Из трех картин, созданных Ренуаром в этот период, "Купание на Сене" показывает летнюю сцену отдыха с прогуливающимися и купающимися горожанами, парусными лодками и зелеными деревьями. Фигуры людей лишь намечены небольшими мазками кисти, солнечные блики на воде и одежде придают холсту воздушный и праздничный вид.

С началом Франко-прусской войны в июне 1870 года Камиль Писсарро вместе с семьей переезжает в Лондон. За год, проведенный в столице Великобритании, Писсарро создает несколько городских пейзажей с видами Сиденхама и Верхнего Норвуда. Пригороды активно развивались, железные дороги постепенно завоевывали пространство сельскохозяйственных полей. Однако на холсте показан еще не тронутый цивилизацией зимний пейзаж улицы Фокс Хилл в южном Лондоне. Извилистая дорога занесена снегом, по ней идут две дамы в кринолинах и мужчина в сюртуке. Низко стелющийся дым из трубы левого дома говорит о ненастной погоде.

Кайботт, находясь под влиянием своего друга Клода Моне, решил работать на открытом воздухе за городом. Картина "Портреты в сельской местности" является одним из первых примеров такого подхода в творчестве. В этой работе представлена атмосфера сентиментального и социального характера в поисках ощущения мимолетности и скоротечности времени. Этот коллективный портрет выполнен в имении Кайботтов в Йере, департаменте Сена и Уаза. В то время, как мужчины занимаются греблей и плаванием, женщины собираются во второй половине дня недалеко от особняка в тени апельсиновых деревьев и занимаются привычными делами: чтением, шитьем, вышивкой. На переднем плане в светло-сером платье сидит кузина Мари, на скамейке мадам Хью, перед ней мадам Шарль Кайботт, тетя художника. На заднем плане расположилась мать автора в возрасте пятидесяти семи лет, погруженная в чтение. Вышивальщицы сидят в прохладной обстановке, в то время как основной сад залит ярким летним солнцем. Несмотря на черные и пастельные оттенки платьев дам, сцена наполнена яркими и солнечными красками.

Берта Моризо наслаждалась продолжительной и успешной карьерой. Свободная от материальных забот, хотя и имеющая обязанности жены и матери, она была свободна в своих действиях и мыслях. В ее картинах все больше преобладают впечатления от счастливой семейной жизни, основанные на опыте ее и ее друзей. Моделями для этой картины послужили сестра художницы Эдма и ее дочери Бланш и Жанна на прогулке, занятые ловлей бабочек. На переднем плане молодая женщина в белом платье держит в руках сачок, ее улыбка сдержанна и в тоже время игрива, намекая на возврат в детство. На голове женщины одета черная шляпа, которая служит для нее защитой. На втором плане стоит маленькая девочка, смотрящая на мать с восхищением и интересом. Ее одежда представляет противоположность наряду матери: черное платье, белая шляпка, что служит намеком на будущее, которое ее ждет. Ее маленькая сестренка, согнувшись, что-то собирает в траве. Моризо была большим мастером цвета. Она не уходит от реальных цветов весеннего сада, но создает мистический прозрачный мир с холодными зелеными тонами, белым платьем леди и бледно-розовым тоном цветущего дерева. Шарм этой работе придают мать и маленькие девочки, ловящие бабочек, но в то же время визуально разделенные друг от друга вертикалью растущего дерева.

Изображенный на картине зимний пейзаж относится к местечку Ла Варен Сен-Илер близ Парижа, где Писсарро с семьей прожил несколько лет перед переездом в Понтуаз. Вдоль берега реки по тихой загородной дороге прогуливаются женщина и ребенок, вероятно это жена художника Джули и их сын Люсьен. Мрачный зимний день передан с помощью широких мазков серо-зеленых и приглушенных коричневых тонов. Смерть отца, одиночество и болезнь матери, тяжелое финансовое положение - все это нашло отражение в этом большом полотне художника. Представленный на Салоне 1866 года, тусклый сельский пейзаж резко отличался от традиционных ярких ландшафтов. Писсарро сознательно лишил картину "выступающих" элементов, последовав в работе однотонной технике Гюстава Курбе. Картина "Берега реки Марны зимой" стала первым крупным успехом Писсарро, получив широкое признание критиков в Салоне.

Картина "Музыка в саду Тюильри", явно созданная под влиянием Франса Халса и Диего Веласкеса, является ранним примером художественного стиля Эдуарда Мане и его интереса к теме отдыха горожан на открытом воздухе. На картине изображена группа парижан, собравшихся в саду Тюильри рядом с Лувром на еженедельный концерт. В качестве моделей Мане использовал своих друзей - художников, писателей и музыкантов, согласившихся позировать для картины. Мужчина с бородой слева - сам Мане, рядом с ним стоит художник Альберт Бальруа. Справа от них сидит скульптор и критик Захария Аструк. Мужчина в белых брюках на переднем плане - младший брат художника Эжен Мане, композитор Жак Оффенбах в очках и с усами сидит под деревом справа; критик Теофиль Готье в коричневом костюме и с бородой стоит напротив дерева, а поэт Шарль Бодлер держится левее Готье. Сидящие фигуры расположились на железных стульях, заменивших деревянные в Тюильри в 1862 году. Критики сочли картину незавершенной, увидев лишь намеченные лица и фигуры людей, но возможно, это было сделано специально для создания атмосферы "живого" общения собравшихся. Безусловно, сюжет картины отразился в работах художников-импрессионистов, современников Мане - Клода Моне, Фредерика Базиля и Огюста Ренуара.

Картина "Мост Европы" впервые была показана на третьей выставке импрессионистов в 1877 году вместе с другими работами художника, среди которых была "Парижская улица в дождливую погоду". На полотне изображен мост Европы, который расположен над парижским железнодорожным вокзалом Сен-Лазар. В центре моста находится площадь Европы, к которой с разных сторон подходят шесть улиц, названных в честь европейских городов. Вид на картине представляет улицу Вены по направлению к центру площади. Сам вокзал не виден, художник изобразил перила, ограду, через которые проглядывают крыши вокзальных сооружений. Работа разделена на две части. Слева светлый тротуар и здания Османа контрастируют с колясками и одетыми в черное людьми, в то время как в правой части светло-серый костюм рабочего выделяется на темной конструкции моста. На переднем плане представлены четыре лица: прогуливающаяся пара в сторону наблюдателя, человек из рабочего класса удаляется в сторону вокзала, и мужчина в светлом опирается на ограду, мимо которого пробегает собака. Мужчина в паре с женщиной является представителем высшего класса, о чем свидетельствует его щеголеватый наряд и неспешная походка. Идущая с ним женщина в черном часто интерпретируется как проститутка, согласно современным социальным нормам в отношении женщин, особенно в районе вокзалов. Также существует предположение, что Кайботт изобразил себя, а женщина - его компаньонка Анн-Мари Хаген. Художник, как и во многих других работах, использует перспективу, то есть дальние планы сокращены, в ближние объекты увеличены, что создает впечатление использования широкоугольного объектива фотоаппарата. Также существует небольшой эскиз изображения без собаки, который хранится в Музее изящных искусств в Ренне.

Художница написала эту картину летом 1874 года во время совместного отдыха на побережье Нормандии семей Моризо и Мане. Именно во время этой поездки Берта познакомилась с младшим братом Мане Эженом и приняла от него предложение руки и сердца. На картине изображены сидящая сестра художницы Эдма и ее дочь Бланш. Темно-синяя юбка Эдмы оторочена белыми воланами, что перекликается с пеной волн. Используя радикально упрощенные способы, Моризо несколькими тонкими штрихами описывает сидящую фигуру в вуали, показывает море и небо излишне плоскими. Эта картина подчеркивает свободное и уверенное владение кистью и гармоничную передачу световых потоков. Смелые геометрические композиции разительно контрастируют с мягкими серебристо-зелеными и голубыми тонами. Существует резкое противопоставление переднего плана от заднего фона, которое усиливает чувство отгороженности и приватности, несмотря на открытую перспективу. Автор намеренно удалила героинь от пляжа, подчеркивая респектабельность среднего класса.

Лола Мелеа, также известная как Лола из Валенсии, была звездой испанской балетной труппы Мариано Кампруби. С 12 августа по 2 ноября 1862 года труппа выступала на ипподроме в Париже, когда представлением заинтересовались Мане и его друзья, Шарль Бодлер и Захария Аструк. Мане привлек артистов для позирования, создав небольшую серию картин и гравюр, среди которых были "Испанский балет" и "Лола из Валенсии". Танцовщица изображена в традиционном андалузском костюме с прозрачной белой шалью, отделанной красной окантовкой. Черное платье с яркими цветами резко контрастирует с белой шалью. В правой руке Лола держит сложенный веер - национальный символ Испании. Первоначально, танцовщица была изображена на нейтральном фоне, но в 1867 году Мане дополнил картину кулисами и театральной публикой. В 1863 году картина была впервые представлена в Салоне вместе с посвященным ей четверостишием Бодлера: "Меж рассыпанных в мире привычных красот всякий выбор, мой друг, представляется спорным. Но Лолá - драгоценность, где розовый с черным в неожиданной прелести нам предстает". Портрет Лолы разительно отличался от буржуазных портретов представителей академического стиля, заполнивших выставки в Салоне. Среди многочисленных маркиз, виконтесс, княгинь, графинь и баронесс этот портрет простой женщины в театральном, почти варварском одеянии, стал настоящим открытием, вызвавшим немало споров.

В своем творчестве Поль Синьяк часто обращался к теме деревьев, заполняя ими большую часть холста. Изображенное на картине дерево с развесистой кроной доминирует над окружающим ландшафтом, демонстрируя настоящую мощь природы. Вместо точечных мазков, типичных для пуантилизма, Синьяк использует мазки различной формы и направления, придавая объем и фактуру изгибам ветвей и рельефу почвы, схожую с мозаикой. Также поменялась и цветовая гамма, став более яркой и контрастной, следуя при этом строгим правилам чистых тонов, свойственных для пуантилизма. Оранжевый цвет соседствует с желтым и красным, а синий с зеленым и лиловым, тем самым выстраивая декоративную картину реальности глазами неоимпрессиониста.

Модная женщина, сидящая на переднем плане картины, это сестра художницы Эдма. Женщина одета в легкое белое платье, соломенная шляпка с развевающимся шарфом на голове, открытый веер и зонтик завершают ансамбль. Внешний вид Эдмы показывает ее интерес к чтению книги. Хотя главной героиней картины является сестра Берты, эта работа не является портретом. Целью Моризо было сделать рисунок в естественной природной среде. Белое платье Эдмы - средство исследовать отраженный свет. Здесь наблюдаются оттенки лавандового, голубого, желтого, розового. Искусно выполненные быстрые мазки резонируют с ощущением свежести, динамичности и легкого шарма. Берта Моризо выбрала эту картину в качестве одной из четырех работ для показа на первой выставке импрессионистов в 1874 году.

Моризо, как и ее коллеги-мужчины, выбирает образы и объекты из жизни, окружающей ее. Но будучи буржуазной женщиной, ее переживания были ограничены обществом, которое определило ей удел женственности и покорности. Художники-мужчины изображали на своих полотнах общественные сферы жизни, такие, как кафе, ипподромы, городские улицы, темой Берты были женщины, их увлечения, материнство. На картине "На балконе" представлены мать и дочь, модно одетые, с интересом смотрящие на шумный город вдали. Изысканное и прозрачное платье женщины подразумевает тщеславие, а белое платьице девочки подчеркивает богатство этой семьи. Героини опираются на перила, за которыми протекает река, и предстает Париж. Перила являются защитным механизмом, но, очевидно, они занимают гораздо более метафорический смысл для художницы в этой работе. Для Моризо, женщины среднего класса девятнадцатого века, перила действуют как барьер между внутренним заключением в домах, так называемое женское пространство, и освобождением в открытом городе с огромными возможностями, то есть мужское пространство. В позе, взгляде женщины на картине выражаются тоска, даже отчаяние и желание свободы, которой могут наслаждаться мужья и отцы, но отказано женщинам того времени.

Зеленые леса Нормандии стали объектом внимания Гогена для его пейзажа 1884 года. В отличии от других импрессионистов, Гоген не ограничивался сценами современной парижской культуры и сельскими мотивами. В сюжетах его картин того времени можно видеть первые признаки эскапизма и акцент на мире природы, свободном от беспокойства современной европейской жизни. Созданная на пленэре в технике импрессионизма, "Лесистая тропа" показывает какое влияние оказал Камиль Писсарро на творчество художника. Палитра Гогена богата зелеными, синими и оранжевыми цветами, которые будут доминировать в его творчестве на Таити в 1890-х годах.

Музей Фабра, входящий в пятерку крупнейших областных галерей Франции, анонсировал выставку "Фредерик Базиль, юность импрессионизма" на предстоящий год. В партнерстве с музеем Орсе (Париж) и Национальной галереей искусства (Вашингтон) на выставке будут представлены шедевры Фредерика Базиля и его друзей импрессионистов - Ренуара, Моне, Мане, Сислея. Именно они стояли у истоков нового жанра, названного импрессионизмом по одной из картин Моне. Город Монпелье, в котором расположен музей, является родным городом Базиля. В музее находится наиболее богатая коллекция картин художника. Выставка пройдет с 24 июня по 16 октября 2016 года.

Выставка работ Анри де Тулуз-Лотрека "Paris, Paris…" открылась 9 декабря в главном здании Иркутского областного художественного музея. На выставке представлено 52 литографии, демонстрирующих суть бурлеска кабаре в разных вариациях. Афиши танцовщиц и актрис, работы из знаменитой "цирковой" серии позволят ощутить яркость роскошной и беспечной эпохи, именуемой "La Belle Époque". Специально для выставки разработаны информационные стенды, рассказывающие о жизни самого художника, в частности, об истории его трагического детства, становлении в качестве художника, формировании собственного стиля. Выставка "Paris, Paris…" продлится до 16 февраля 2016 года.

Выставка импрессиониста Константина Коровина и его современников из коллекции Русского музея пройдёт в Самарском художественном музее с 26 ноября по 21 января. Всего будет представлено 27 работ известного русского живописца, созданных в период с 1890-х по конец 1910-х годов. Кроме этого, на выставке покажут картины его современников, участников "Союза русских художников" - Абрама Архипова, Игоря Грабаря, Константина Юона и других. В основном, это лирические пейзажи, исполненные на пленэре, отличающиеся широтой и свободой письма. В день открытия, желающие также смогут прослушать лекцию о жизни и творчестве художника, по праву считающегося крупнейшим представителем русского импрссионизма.

В результате двухдневных торгов, прошедших 12-13 ноября, аукционный дом Christie's продал картины импрессионистов на сумму более 200 миллионов долларов. На продажу были выставлены произведения живописи и скульптуры со второй половины XIX века по середину XX века. Самым дорогим лотом стала картина "Графин" Пабло Пикассо, проданная за 10,5 миллиона долларов. Также с молотка ушли работы "Обнаженная с белым полотенцем" Анри Матисса за 9,1 миллиона долларов, натюрморт "Яблоки" Поля Сезанна за 9,1 миллиона долларов, "Голубой воздух" Марка Шагала за 6,9 миллиона долларов, "Универсальное зеркало" Рене Магритта за 6,7 миллиона долларов, "Желтые ирисы под розовым облаком" Клода Моне за 5,8 миллиона долларов, "Мужчина и женщина" Хуана Миро за 5,4 миллиона долларовю. Аукцион прошел в Нью-Йорке, а количество выставленных лотов превысило 300 работ.

Эксперты Третьяковской галереи установили, что под знаменитым "Черным супрематическим квадратом" Казимира Малевича скрываются два цветных изображения. Первоначальной картиной оказалось некая кубофутуристическая композиция, а лежащая под "Черным квадратом" - другая протосупрематическая композиция. Кроме того, была расшифрована надпись на картине, которую считают авторской. По мненмю специалистов, полная фраза звучит как "Битва негров в темной пещере". Она отсылает к полотну, написанному в 1882 году французским художником Альфонсом Алле, под названием "Битва негров в темной пещере глубокой ночью". Совсем скоро, 19 декабря знаменитой картине российского и советского авангардиста исполнится ровно сто лет.

В ходе осенних торгов аукционного дома Christie's, прошедших 9 ноября и получивших название "Муза художника", был установлен новый рекорд по продажам. Картина "Лежащая обнаженная" Амедео Модильяни была продана за 170,4 миллиона долларов одному китайскому коллекционеру. Это второе самое дорогое произведение искусства из проданных на открытом аукционе. Первое место занимает картина "Алжирские женщины" Пабло Пикассо, оцененное в 179,4 миллиона долларов в мае этого года. "Лежащая обнаженная" входит в серию полотен, созданных Модильяни по заказу его друга - поэта Леопольда Зборовски в 1917-1918 годах.